EXPOSICIÓN SUPERHARTAS

El jueves 6 de marzo a las 12:00 h se inaugura la exposición “SuperhARTas” en la sala de exposición del IQH, La Fábrica del Humor, C/ Nueva, 4, de Alcalá de Henares.

La exposición muestra las caricaturas que pueden encontrarse en el libro de título homónimo, ejecutadas con maestría por David García Vivancos, DGV, y tras una minuciosa investigación realizada por Antònia Torelló Torrens, que ha plasmado de forma clara y precisa en las biografías, que pueden ser leídas completas en el libro, y que de forma resumida se leen en las cartelas

SuperhARTas de las sombras, del segundo plano, del olvido; superhARTas de un relato artístico que ha silenciado voces femeninas únicas y personales, irrepetibles; superhARTas de solo poder entrar en un museo siendo “musas de”, “modelos de”, “amantes de”, aunque es cierto que empezamos a estarlo un poquito menos. 

 En SuperhARTas volvemos a toparnos cara a cara con otras 28 mujeres artistas de épocas distintas y disciplinas variadas, diferentes, que van desde el bordado al diseño industrial, del grabado a la imaginería religiosa, pasando por el cine o la fotografía, y que se articulan a partir de unos textos dinámicos y estudiados, que encuentran en la caricatura, moderna y sintética, la aliada perfecta para mostrar su enorme talento. Este tándem sirve para demostrar, una vez más, que la igualdad en la Historia del Arte es mucho más que necesaria.

Antònia Torelló Torrens y David García Vivancos ponen el broche final, con este libro, a un proyecto que empezó en 2020. Este trabajo tan personal nos ayuda a entender el espacio que aún les queda por recuperar a todas esas creadoras silenciadas y que todavía no tienen un lugar propio en nuestros museos, aulas o libros de texto, a pesar de los avances ya conseguidos.

El proyecto hARTas, al menos en su forma más primitiva, tiene su origen muchos años atrás, y es ahora en 2025 cuando cierra, con este libro, una trilogía totalmente imprescindible.

Sobre los autores:

Antònia Torelló Torrens (Consell, Mallorca, 1981) es licenciada en Historia del Arte por la Universidad de las Islas Baleares y una apasionada de las obras hechas por mujeres, especialmente aquellas que el mundo parece haber olvidado, o a las que, seguro, no se le has dedicado tantas páginas como a sus colegas masculinos.

Su forma de escribir, directa, ágil y amena, nos ayuda a adentrarnos en el Arte de las mujeres que, gracias a hARTas, Muy hARTas y ahora, SuperhARTas, nos son ya mucho más cercanas.

David García Vivancos (Madrid,1984) es ilustrador especializado en caricatura, una disciplina que le apasiona desde siempre. Divide su tiempo entre las colaboraciones en prensa y revistas (como La Razón, ABC, tintaLibre o El Jueves), la caricatura en vivo para grandes empresas (como Vodafone, Toyota, Benetton o la UEFA) y la formación (talleres, charlas y cursos centrados en el mundo de la caricatura).

Tiene varios libros publicados, todos ellos usando la caricatura como elemento gráfico principal, siendo SuperhARTas el más reciente.

El proyecto hARTas es el más especial de toda su trayectoria, al estar formado por tres libros escritos por Antònia, su pareja.

Relación de Mujeres artistas presentes en la exposición:

 

HERRADA DE LANDSBERG (1125-1195). La primera enciclopedista.

Monja alemana que embarcó a todas las hermanas de su comunidad en la creación de la primera enciclopedia del saber de toda la edad media. El Hortus Deliciarum incluía temas bíblicos, la historia de la fundación de la propia abadía, algunos textos filosóficos y dos fragmentos de música polifónica realizados por autoras femeninas. El manuscrito original se perdió en un incendio pero se conserva una copia realizada a principios del siglo XIX.

 

TERESA DIEÇ (1300-1350). ¿Y por qué no?

Posiblemente la primera pintora mural española y creadora de un ciclo religioso muy particular, ya que los temas representados tienen mucho que ver con la vida de Cristo, pero también con las mujeres. Fue descubierto en 1952 por una religiosa que se encontraba limpiando el coro del Convento de Santa Clara de Toro, y lo más interesante es que se encuentra firmado, generando una gran controversia, ya que hay estudiosos que creen que era mecenas y no artista.

 

LEVINA TEERLINC (1510-1576). La creación de una reina.

Miniaturista que trabajó en la corte de Enrique VIII en un momento convulso de la Historia y que tuvo un papel fundamental en la creación de la iconografía de la reina Isabel I de Inglaterra. Pionera en el uso del color azul para los fondos de sus obras, del formato ovalado y de la incorporación de letras o mensajes dorados adornando su trabajo. Todos los miniaturistas ingleses posteriores copiaron sus innovaciones por lo que es complicado reconocer su trabajo.

 

PLAUTILLA NELLI (1524-1588). La monja pintora.

Fue la primera mujer pintora que representó La Última Cena. La obra sorprende por ser a tamaño natural, por la personalización de los personajes masculinos y fue encargada para el refectorio de su convento. Destacan los elementos representados ya que no son comunes ni para la época ni para el tema, por lo que pudo usar objetos cotidianos y que tenía a su alrededor. Tras años mal guardada y gracias a una asociación privada, ha sido restaurada y se exhibe en la ciudad de Florencia.

 

FEDE GALIZIA (1578-1630). Naturalezas muertas con mucha vida.

Pintora italiana que se dedicó a los retratos, a la pintura de historia, a las imágenes religiosas y que es conocida por sus bodegones. Primera persona en firmar uno de ellos dentro de la Historia del Arte Universal y figura clave para entender la evolución de las naturalezas muertas. Sus inscripciones y elementos representados dan buena cuenta de la educación esmerada que tuvo y de su intento de trascender con sus obras a la mera representación.

 

MICHAELINA WAUTIER (1604-1689). La revolución hecha mujer artista.

Pintora belga que vivió con su hermano y de la que no tenemos ningún dato relativo a su carrera artística. Fue creadora de temas originales y variados que dan buena cuenta de su excelencia, y durante muchos años sus obras fueron atribuidas a artistas masculinos por su gran calidad. Solo estuvo activa durante dieciséis años. Se autorrepresenta semidesnuda en una de sus obras y hasta el año 2005 poco o nada se sabía de ella.

 

PLAUTILLA BRICCI (1616-1705). Inventora de la palabra arquitecta.

Artista de la ciudad de Roma criada en un ambiente artístico total, y la primera arquitecta de la Historia del Arte Universal. Proyectó una villa en forma de barco con elementos típicamente renacentistas de la que actualmente solo conservamos parte de la fachada. Su hermano se llevó el mérito, pero estudios actuales de la documentación existente demuestran que ella realizó todo el trabajo. También hizo retablos y capillas demostrando así su gran versatilidad.

 

MARY BEALE (1633-1699). La primera retratista profesional.

Pintora inglesa especializada en retratos que realizó el primer ensayo artístico de la Historia del Arte Universal sobre temas pictóricos. Tuvo que marcharse de Londres por la peste durante unos años pero al regresar, su fama se extendió rápidamente y fue la encargada de mantener a toda su familia. Su marido empezó a trabajar para ella  realizando tareas de taller como preparando lienzos o pigmentos, y llevando la agenda de sus encargos.

 

ELISABETTA SIRANI (1638-1665). Un gran modelo a seguir.

Pintora italiana que se formó en una familia de artistas de la ciudad de Bolonia. Realizaba una gran cantidad de temáticas diferentes y tuvo que abrir su taller de par en par para demostrar que era ella la que realizaba todas las obras. Fue muy importante por sus iconografías particulares y su manera de plasmar a las mujeres. Abrió una escuela de pintura para mujeres, pero murió con solo veintisiete años dejando un vacío enorme en su ciudad.

 

ANDREA Y CLAUDIA DE MENA (1654/1655- 1734/?). Imagineras olvidadas.

Hermanas dedicadas a la imaginería siendo la tercera generación de escultoras, ya que su padre y su abuelo fueron pioneros en el campo escultórico religioso. Entraron en un convento pero siguieron creando a pesar de las limitaciones. Sus cartas de profesión marcaron un antes y un después tanto en iconografía como en estilo, y fueron copiadas por todas las monjas posteriores. Tuvieron una tercera hermana menos estudiada que ellas, que también pudo haberse dedicado a la escultura.

 

ISABEL DE SANTIAGO (1660-1714). Un taller propio.

Pintora ecuatoriana y máximo exponente de la pintura quiteña. Se formó con su padre y trabajó con él en su taller, heredándolo cuando murió. Se casó dos veces y su segundo marido también era artista. En sus obras encontramos una gran atención a los pequeños detalles, una iconografía propia y la aparición de personajes mestizos o con indumentaria típica local. Durante toda su vida estuvo muy bien considerada aunque, por ser mujer, jamás pudo formar parte del gremio.

 

MARY MOSER (1744-1819). Flores y muchísimo más.

Pintora inglesa que con tan solo catorce años ganó su primera medalla y empezó a exponer. Famosa por su pintura de flores demostrando un gran conocimiento natural, pero también reconocida por otras temáticas distintas. Fundadora junto a otros artistas masculinos y a la pintora Angelica Kauffmann de la Royal Academy de Londres, y que trabajó para la realeza. Después de casarse olvidó su apellido, pero también la pintura trabajando solo como aficionada.

 

ANNE VALLAYER-COSTER (1744-1818). Bodegones a otro nivel.

Pintora francesa que se convirtió en académica de pleno derecho por unanimidad después de presentar una obra a la Academia. No sabemos nada de su formación artística. Especialista en naturalezas muertas a las que dotaba de un estilo elegante, con multitud de elementos de las capas más altas de la sociedad, y que encandilaban a la realeza y a la aristocracia. Sobrevivió a la Revolución Francesa, jamás dejó de trabajar y pintó hasta el final de sus días.

 

LAURA PIRANESI (1754-1785). La grabadora misteriosa.

Grabadora italiana que aprendió el oficio y las técnicas de su padre, y que trabajó con él y con su hermano. Sus imágenes son disfrutables por sí mismas y suelen ir firmadas, aunque en algún momento de la historia su nombre fue borrado. Trabajaba el grabado de una manera suelta y espontánea. No se sabe bien cuándo murió, pero su hermano es uno de los mayores sospechosos, que habría querido eliminar competencia para quedarse con el taller familiar.

 

ANNA ATKINS (1799-1871). Ciencia, fotografía y algas.

Fotógrafa inglesa que gracias a su padre tuvo una estrecha relación con la ciencia y la naturaleza. Realizó dibujos de conchas pero es famosa por sus imágenes de algas conseguidas con la moderna técnica del cianotipo. Publicó el primer libro con fotografías de la Historia del Arte Universal. Es muy importante ya que se la considera pionera en la fotografía abstracta pero también en la secuencial, por su manera de trabajar.

 

SARAH BERNHARDT (1844-1923). La divina escultora.

Escultora francesa conocida por ser también una actriz excepcional. Gracias a la fama obtenida sobre los escenarios pudo tener acceso a una muy buena formación, pero también a vender sus obras a coleccionistas internacionales. Su trabajo es complejo, estilísticamente muy potente y con una factura realmente impecable. En 2023 la ciudad de París le rindió un merecido homenaje con una gran exposición donde se pudo ver todo su trabajo.

 

EVELYN DE MORGAN (1855-1919). Espiritualidad y mujeres fuertes.

Pintora inglesa de clase muy alta y exquisita educación. Formó parte de la Hermandad Prerrafaelita dando un giro a las representaciones de las mujeres, siempre fuertes, espirituales y poderosas. Fusionó en sus obras lo místico con el arts and crafts, el simbolismo con lo alegórico, creando cuadros originales. Jamás cambió su manera de pintar ni de pensar, ni siquiera con la llegada de las vanguardias, y participó en diferentes movimientos por el sufragio femenino.

 

MAY MORRIS (1862-1938). La reina del arts and crafts.

Artista británica conocida por dedicarse al diseño de tejidos y a los bordados. Formó parte de la compañía Morris & Co., haciéndose cargo de todo el departamento textil y llevándolo hasta su punto más álgido. Se encargó de que todas sus trabajadoras tuvieran unas buenas condiciones laborales y fundó el Gremio de Mujeres de las Artes. Se preocupó de mantener intacto su vasto legado familiar, aunque su trabajo y su figura cayeron rápidamente en el olvido.

 

KÄTHE KOLLWITZ (1867-1945). El dolor elevado a Arte.

Artista alemana famosa por sus grabados y esculturas. Testigo directo de la industrialización y de la guerra, se preocupó de plasmar las miserias de la vida. Siempre usando el color negro, su trabajo es directo y descarnado, pudiendo ver en él la destrucción de la vida, el dolor y la desesperación. Siempre pesimista por los hechos que marcaron su vida, creía que el artista y el pueblo tenían que ser uno para reflejar la realidad de una manera veraz.

 

UEMURA SHÔEN (1875-1949). La sutileza de un haiku pintado.

Pintora japonesa que, gracias a una madre que se saltó todas las normas, pudo dedicarse a la pintura. Su trabajo es la combinación de la pura tradición por cómo usa la línea y el color, con toques de modernidad en la representación de las mujeres y de sus actitudes. Sus imágenes son elegantes y refinadas, sin sensualidad ni erotismo. Creó incansablemente hasta el final de su vida intentado ganarse con ello un lugar en la Historia.

 

LOIS WEBER (1879-1939). Una directora comprometida.

Directora de cine norteamericana que llegó al cine después de la ópera o el teatro. Se convirtió en una directora comprometida con temas sociales universales y con otros relacionados directamente con las mujeres como el aborto o la prostitución, estando siempre en el punto de mira de los censores de la época. Dominaba como nadie todo el proceso fílmico al completo, del guion a la contratación, o del uso de la cámara a montar la película.

 

ALMA THOMAS (1891-1978). Color, color y más color.

Pintora americana que desde pequeña mostró interés por el mundo del Arte. Fue profesora durante toda su vida influyendo a generaciones de niños y niñas. Con sesenta años se jubiló y empezó su propia carrera artística. El uso del color en pequeñas teselas la hizo ser una artista completamente innovadora y la naturaleza, en toda su extensión, es su tema preferido. Murió preparando su próxima exposición demostrando que nunca es tarde para perseguir un sueño.

 

AUGUSTA SAVAGE (1892-1962). Un renacimiento olvidado.

Escultora americana famosa por formar parte del Renacimiento de Harlem y conseguir que todos los ámbitos ligados a ese barrio (música, literatura, moda…) fueran el gran referente de la cultura afroamericana. Consiguió una beca para ir a estudiar a París pero al final de sus días abandonó toda creación artística, y muchas de sus obras fueron destruidas ya que las realizaba en materiales poco resistentes, por no poder permitirse otros de mayor calidad.

 

MARIANNE BRANDT (1893-1983). La diseñadora que hizo historia.

Diseñadora alemana famosa por formar parte de la primera generación de alumnas de la Bauhaus. Formó parte del taller de metales llegando a ser directora, y sus diseños industriales siguen estando vigentes hoy en día. El uso de los materiales, las formas puras y la ausencia de decoración marcaron su trabajo desde el primer momento. Al terminar, trabajó en diferentes fábricas ligadas también al diseño y a elementos relacionados con la luz.

 

LOLA ÁLVAREZ BRAVO (1903-1993). La gran cronista mexicana.

Fotógrafa mexicana que tiñó México de modernidad acercándose a la gente de la calle para plasmar su día a día. Los momentos fugaces, las personas reales y la vida rural, serán los grandes protagonistas de sus imágenes haciéndola una perfecta cronista de la época que le tocó vivir, y viajó por todo su país buscando esos instantes. Única fotógrafa latinoamericana de la exposición The Family of Man realizada en el Museo MOMA de Nueva York.

 

MARGA GIL ROËSSET (1908-1932). Una muerte a destiempo.

Artista española que pintó, esculpió, dibujó y creó, en toda la extensión que permite la palabra. Autora completamente autodidacta proveniente de una familia conservadora, pero que dio a sus hijas una educación muy poco convencional. Con un mundo interior muy rico, una gran creatividad y una fantástica capacidad para el Arte. Sus obras son íntimas, personales y sorprendentes. Se suicidó a la edad de veinticuatro años incapaz de superar una situación personal.

 

GEGO (1912-1994). La escultura infinita.

Artista alemana nacionalizada venezolana debido a que tuvo que huir de su país por el ascenso del nazismo. Llegó a la escultura después de pasar por la pintura figurativa. Su trabajo tiene algo de Arte cinético, pero entendiendo el movimiento desde un punto de vista completamente diferente por su formación de arquitecta. Sus esculturas son monumentales, cambian constantemente, se expanden hasta el infinito y pueden llegar a ser agobiantes.

 

AMRITA SHER-GIL (1913-1941). Y Europa conoció la India.

Pintora india que consiguió que su familia la mandara a estudiar a París, donde aprendió en las mejores academias para mujeres y fue libre para vivir y crear. Al volver a la India redescubrió su país realizando unas obras modernas y diferentes que impactaron y cambiaron el panorama artístico. La simplificación de las formas, el uso de los colores y la realidad local, la hicieron muy popular. Murió repentinamente preparando su primera gran exposición.